Les nouveaux réalistes
The new realists
I nuovi realisti
Le groupe est officiellement fondé le 26 octobre 1960 avec la signature du Manifeste des Nouveaux Réalistes par Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé autour de la figure du critique d’art et théoricien du mouvement Pierre Restany.
César, Mimmo Rotella, puis Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps intègrent le groupe l’année suivante.
En réaction à la peinture abstraite, qui s’est fortement développée après-guerre, les Nouveaux-Réalistes veulent ancrer l’art dans le réel. Tous, s’emparent des objets du quotidien issus de la consommation de masse, se les réapproprient, les extraient de leur contexte premier, les accumulent, les associent et les dissocient, les détruisent, les transforment, les compressent, les décontextualisent….
Chaque artiste propose sa vision de la réalité et l’offre au public, voulant ainsi créer une réaction voire une interaction.
The group was officially founded on October 26, 1960 with the signing of the Manifesto of the New Realists by Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé around the figure of the art critic and theoretician of the movement Pierre Restany.
César, Mimmo Rotella, then Niki de Saint Phalle and Gérard Deschamps joined the group the following year.
In reaction to the abstract painting, which developed strongly after the war, the New Realists want to anchor art in reality. They all seize everyday objects from mass consumption, reappropriate them, extract them from their original context, accumulate them, associate and dissociate them, destroy them, transform them, compress them, decontextualize them....
Each artist proposes his or her vision of reality and offers it to the public, thus wanting to create a reaction or even an interaction.
Il gruppo fu fondato ufficialmente il 26 ottobre 1960 con la firma del Manifesto dei Nuovi Realisti da parte di Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé, attorno alla figura del critico e teorico del movimento Pierre Restany.
César, Mimmo Rotella, poi Niki de Saint Phalle e Gérard Deschamps si unirono al gruppo l’anno seguente.
In reazione alla pittura astratta, che si era sviluppata fortemente dopo la guerra, i Nuovi Realisti volevano ancorare l’arte alla realtà. Tutti si sono impossessati di oggetti quotidiani provenienti dal consumo di massa, se ne sono riappropriati, li hanno estratti dal loro contesto originale, li hanno accumulati, associati e dissociati, distrutti, trasformati, compressi, decontestualizzati....
Ogni artista propone la sua visione della realtà e la offre al pubblico, volendo così creare una reazione o addirittura un’interazione.
ACCUMULATIONSACCUMULATIONSACCUMULI
L’accumulation est un procédé artistique qui consiste à entasser ou regrouper d’un grand nombre d’objets, procédé qu’utilise l’artiste Arman dans ses œuvres.
Accumulation is an artistic process that consists of piling up or grouping a large number of objects, a process used by the artist Arman in his works.
L’accumulazione è un processo artistico che consiste nell’ammassare o raggruppare un gran numero di oggetti, un processo utilizzato dall’artista Arman nelle sue opere.
Feuille écrite ou imprimée placardée dans un lieu public et portant une annonce officielle, publicitaire ou propagandiste, à laquelle une image peut être associée. Les affiches constituent la matière première des œuvres de Jacques Villeglé.
A written or printed sheet posted in a public place and bearing an official, advertising or propaganda announcement, with which an image may be associated. Posters constitute the raw material for the works of Jacques Villeglé.
Un foglio scritto o stampato affisso in un luogo pubblico che reca un annuncio ufficiale, pubblicitario o propagandistico, al quale può essere associata un’immagine. I manifesti costituiscono la materia prima delle opere di Jacques Villeglé.
Enlever, détacher avec effort ou violemment quelque chose de son support.
To remove, to detach with effort or violence something from its support.
Rimuovere, staccare con sforzo o violentemente qualcosa dal suo supporto.
ASSEMBLAGEASSEMBLYMONTAGGIO
L’assemblage dans le champ des arts plastiques est une œuvre à trois dimensions dans laquelle sont réunis divers objets ou fragments d’objets fixés entre eux, à l’image du Monstre de Niki de Saint-Phalle
The assemblage in the field of visual arts is a three-dimensional work in which various objects or fragments of objects are joined together, like Niki de Saint-Phalle’s Monster
Assemblage nel campo delle arti visive è un’opera tridimensionale in cui vari oggetti o frammenti di oggetti sono attaccati l’uno all’altro, come il Monster di Niki de Saint-Phalle
COMBUSTIONCOMBUSTIONCOMBUSTIONE
Nom donné à certaines œuvres qui utilisent le feu, et l’action des flammes comme procédé artistique afin de transformer un objet. Ce procédé est souvent utilisé chez les Nouveaux Réalistes par l’artiste Arman mais également chez Klein (Peinture de Feu, 1961).
Name given to certain works that use fire and the action of flames as an artistic process to transform an object. This process is often used among the New Realists by the artist Arman but also by Klein (Peinture de Feu, 1961).
Nome dato a certe opere che usano il fuoco e l’azione delle fiamme come processo artistico per trasformare un oggetto. Questo processo è spesso utilizzato tra i Nuovi Realisti dall’artista Arman ma anche da Klein (Peinture de Feu, 1961).
COMPRESSIONSCOMPRESSIONSCOMPRESSIONI
Nom donné aux œuvres utilisant comme procédé l’action de compresser, c’est-à-dire presser, serrer fortement quelque chose et en réduire le volume sous l’effet de pression. L’artiste César est connu pour ses Compressions.
Name given to works using as a process the action of compressing, i.e. pressing, squeezing something tightly and reducing its volume under the effect of pressure. The artist César is known for his Compressions.
Nome dato alle opere che utilizzano come processo l’azione di comprimere, cioè premere, spremere strettamente qualcosa e ridurre il suo volume sotto l’effetto della pressione. L’artista Caesar è noto per le sue Compressioni.
Société industrielle avancée au sein de laquelle les consommateurs sont incités à consommer des biens et services de manière abondante.
An advanced industrial society in which consumers are encouraged to consume goods and services in abundance.
Una società industriale avanzata in cui i consumatori sono incoraggiati a consumare beni e servizi in abbondanza.
DÉCHETSWASTERIFIUTI
Un déchet est un résidu impropre à la consommation, un objet, que l’on décide de jeter à la poubelle ou ce qui reste d’une matière que l’on a travaillée.
A waste product is a residue unfit for consumption, an object, that one decides to throw away in the trash or what remains of a material that one has worked with.
Un prodotto di scarto è un residuo inadatto al consumo, un oggetto, che si decide di buttare nella spazzatura o ciò che rimane di un materiale con cui si è lavorato.
DÉCOMPOSITIONDECOMPOSITIONDECOMPOSIZIONE
Action de décomposer, de diviser et de séparer en plusieurs éléments un objet pour en montrer plusieurs faces.
The act of breaking down, dividing and separating into several elements an object to show several sides.
L’atto di scomporre, dividere e separare in più elementi un oggetto per mostrare diversi lati.
DÉTOURNERDETOURINGDETOURING
Appropriation ou modification d’une image ou un objet et le modifier par un acte artistique afin d’en faire quelque chose de nouveau, de différent (en changer la fonction ou le sens par exemple).
Appropriating or modifying an image or object and altering it by an artistic act in order to make it into something new, something different (e.g. changing its function or meaning).
Appropriarsi o modificare un’immagine o un oggetto e alterarlo attraverso un atto artistico per fare qualcosa di nuovo, diverso (cambiando la sua funzione o significato, per esempio).
EMPAQUETAGELAYOUTLAYOUT
Nom donné à l’action d’empaqueter, d’emballer quelque chose, d’en faire un paquet.
Christo, artiste appartenant au mouvement des Nouveaux Réalistes est célèbre pour ses empaquetages de monuments.
Name given to the action of packing, wrapping something, making a package of it.
Christo, an artist belonging to the New Realist movement, is famous for his packaging of monuments.
Nome dato all’azione di imballare, avvolgere qualcosa, fare un pacchetto.
Christo, artista appartenente al movimento New Realist, è famoso per i suoi imballaggi di monumenti.
EMPREINTEPRINTINGSTAMPA
Technique picturale visant à conserver une trace d’un objet ou d’un corps grâce à l’utilisation soit du moulage, tels que les moulages de César, soit du contact sur un support pictural tels que les Anthropométries de Klein. Cette technique peut également utiliser la récupération d’objets de rue, témoin du passage du temps telles que les affiches lacérées de Dufrêne
A pictorial technique aimed at preserving a trace of an object or a body through the use of either moulding, such as Caesar’s casts, or contact with a pictorial support, such as Klein’s Anthropométries. This technique can also use the recovery of street objects, witness to the passage of time, such as Dufrêne’s torn posters
Tecnica pittorica volta a conservare la traccia di un oggetto o di un corpo attraverso l’uso del calco, come i calchi di Cesare, o il contatto su un supporto pittorico, come le Antropometrie di Klein. Questa tecnica può anche utilizzare il recupero di oggetti di strada, testimoni del passaggio del tempo, come i manifesti strappati di Dufrêne
INSITUINSITUINSITUAZIONE
Dans le milieu des arts plastiques, ce dit d’une œuvre, pensée et réalisée pour un lieu précis, directement sur place.
In the plastic arts, this is said of a work, thought out and produced for a specific place, directly on site.
Nelle arti visive, si parla di un’opera pensata e prodotta per un luogo specifico, direttamente sul posto.
MANIFESTEMANIFESTOMANIFESTO
Déclaration écrite et publique par laquelle un courant artistique expose une position esthétique et idéologique de l’art.
A written and public statement by which an artistic current sets forth an aesthetic and ideological position on art.
Una dichiarazione scritta e pubblica con cui un movimento artistico espone una posizione estetica e ideologica sull’arte.
NÉONNEONNEON
Eclairage sous la forme d’un tube lumineux fluorescent ou luminescent. Martial Raysse est le premier à utiliser ce procédé dans ses œuvres.
Lighting in the form of a fluorescent or luminescent light tube. Martial Raysse was the first to use this process in his works.
Illuminazione sotto forma di tubo luminoso fluorescente o luminescente. Martial Raysse è stato il primo ad utilizzare questo processo nelle sue opere.
NOUVEAU RÉALISMENEWREALISMNUOVOREALISMO
Le terme « nouveau » dans le sens « qui est depuis peu de temps ce qu’il est » est récurrent dans l’appellation des courants et mouvements d’après-guerre. On le retrouve aussi dans la littérature avec le « Nouveau Roman » à partir des années 1950 ou dans le cinéma avec la « Nouvelle Vague », étiquette attribuée à certains cinéastes Français (Agnès Varda, Jean-Luc Godard, François Truffaut, etc.) de 1958 à 1960.
Les « Nouveaux réalistes », terme employé par le critique d’art Pierre Restany est un mouvement pictural fondé le 26 octobre 1960 suite à la signature du Manifeste des Nouveaux Réalistes par les artistes Arman, César, Christo, Deschamps, Dufrêne, Klein, Raysse, Rotella, Spoerri, Niki de Saint Phalle, Tinguely et Villéglé.
Le mouvement utilise la réalité comme support et médium artistique, l’objet du quotidien est alors détourné, compilé, transformé et dans tous les cas questionné.
The term new« in the sense of »which is for a short time what it is« is recurrent in the naming of post-war currents and movements. It can also be found in literature with the »New Novel« from the 1950s onwards or in the cinema with the »New Wave", a label attributed to certain French filmmakers (Agnès Varda, Jean-Luc Godard, François Truffaut, etc.) from 1958 to 1960.
The « New Realists », a term used by the art critic Pierre Restany, is a pictorial movement founded on 26 October 1960 following the signing of the Manifesto of the New Realists by the artists Arman, César, Christo, Deschamps, Dufrêne, Klein, Raysse, Rotella, Spoerri, Niki de Saint Phalle, Tinguely and Villéglé.
The movement uses reality as a support and artistic medium, the everyday object is then diverted, compiled, transformed and in all cases questioned.
Il termine nuovo« nel senso di »che è per un breve periodo quello che è« è ricorrente nella denominazione delle correnti e dei movimenti del dopoguerra. Si trova anche in letteratura con il »Nuovo Romanzo« degli anni 50 o nel cinema con la »Nouvelle Vague", etichetta attribuita a certi registi francesi (Agnès Varda, Jean-Luc Godard, François Truffaut, ecc.) dal 1958 al 1960.
I « Nuovi Realisti », termine usato dal critico d’arte Pierre Restany, è un movimento pittorico fondato il 26 ottobre 1960 in seguito alla firma del Manifesto dei Nuovi Realisti dagli artisti Arman, César, Christo, Deschamps, Dufrêne, Klein, Raysse, Rotella, Spoerri, Niki de Saint Phalle, Tinguely e Villéglé.
Il movimento utilizza la realtà come supporto e mezzo artistico, l’oggetto quotidiano viene quindi deviato, compilato, trasformato e in tutti i casi messo in discussione.
OBJETOBJECTOGGETTO
Produit de l’activité humaine, créé et fabriqué dans un certain but fonctionnel ou esthétique. Introduit dans la peinture par les cubistes (Georges Braque, Pablo Picasso), détourné par Marcel Duchamp dans ses ready-mades, recyclé par les Nouveaux Réalistes, mis en scène dans les installations et les environnements, l’objet occupe une place majeure dans l’art depuis le début du XXe siècle.
Product of human activity, created and manufactured for some functional or aesthetic purpose. Introduced into painting by the Cubists (Georges Braque, Pablo Picasso), hijacked by Marcel Duchamp in his ready-made, recycled by the New Realists, staged in installations and environments, the object has occupied a major place in art since the beginning of the 20th century.
Prodotto dell’attività umana, creato e fabbricato per qualche scopo funzionale o estetico. Introdotto nella pittura dai cubisti (Georges Braque, Pablo Picasso), dirottato da Marcel Duchamp nel suo ready-made, riciclato dai Nuovi Realisti, messo in scena in installazioni e ambienti, l’oggetto ha occupato un posto importante nell’arte dall’inizio del XX secolo.
PLASTIQUEPLASTICPLASTICA
1 La matière plastique est un mélange contenant une matière de base pouvant être moulé, façonné à chaud afin de créer un objet. 2 Relatif aux arts qui élaborent des formes. Ce qui peut prendre forme et peut changer de forme.
1 Plastic is a mixture containing a base material that can be moulded, hot-formed to create an object.
2 Relating to the arts that develop forms. That which can take shape and can change shape.
1 La plastica è una miscela contenente un materiale di base che può essere modellato, plasmato dal calore per creare un oggetto.
2 Relativo alle arti che sviluppano forme. Ciò che può prendere forma e può cambiare forma.
Action de récupérer quelque chose. Certains artistes Nouveaux Réalistes récupèrent des objets du quotidien pour les intégrer à leur composition artistique.
The act of reclaiming something. Some New Realist artists salvage everyday objects to incorporate into their artistic composition.
Azione di recuperare qualcosa. Alcuni artisti del Nuovo Realismo recuperano oggetti quotidiani per incorporarli nella loro composizione artistica.
RELIEFRELIEFRELIEF
Œuvre comportant des éléments qui se détachent plus ou moins d’une surface. Le relief caractérise la présence d’une troisième dimension dans un objet globalement plan.
Work with elements that stand out more or less from a surface. Relief characterises the presence of a third dimension in a globally flat object.
Lavorate con elementi che si distinguono più o meno da una superficie. Il rilievo caratterizza la presenza di una terza dimensione in un oggetto globalmente piatto.
TRANSFORMERTRANSFORMTRASFORMARE
Opération ou ensemble d’opérations qui modifie quelque chose en totalité ou en partie.
An operation or set of operations that modifies something in whole or in part.
Operazione o insieme di operazioni che modifica qualcosa in tutto o in parte.
Armand Fernandez dit Arman
Nice 1928 – New-York 2005
Peintre, sculpteur et plasticien, il se forme à l’Ecole des arts décoratifs de Nice (1946-1949) puis à l’Ecole du Louvre (1949-1950). Connu principalement pour ses Accumulations, (conçues à partir de 1959), Arman est un artiste précurseur dans l’utilisation d’objets manufacturés. En 1960, il participe à la fondation du groupe des Nouveaux Réalistes. La même année, en réaction à l’exposition de Yves KleinLe Vide (1958) qui présentait des salles complètement vides, Arman expose dans la même galerie Le Plein dont l’espace est rempli de détritus.
En 1961, à l’occasion d’un séjour à New-York, Arman aborde différents modes de destruction des objets : découpés dans la série Coupes, brisés ou endommagés avec Colères, ou encore brulés à partir de 1963 dans Combustions. Professeur à l’Université de Californie à Los Angeles (1967-1968), il s’installe à New York en 1969 et adopte la nationalité américaine.
O Tannenbaum, 1963
Cithare découpée et partition déchirée collées sur panneau 97 x 130 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1982
Inv. 982.3.39
Les instruments de musique comptent parmi les objets les plus utilisés par l’artiste pour la conception de ses œuvres. Celui qui se définit lui-même comme un « montreur d’objets » nous propose ici la décomposition d’une cithare qui laisse apparaître les différents matériaux qui composent l’instrument.
En 2002-2003, Arman renoue avec la peinture de chevalet dans Serious Paintings, associant la recomposition d’instruments de musique à leur « mise en scène » en peinture.
Les Hélices, 1980
Hélices en bronze soudées 210 x 95 x 90 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1981
Inv. 981.6.66
Cette accumulation d’une centaine d’hélices de bateau en bronze soudées, semble être répertoriée également sous le titre de Captain Nemo’s accumulation. Cette technique met en valeur le poids et le volume des objets utilisés tout en incluant une notion d’équilibre.
Trois autres exemplaires de cette œuvre ont été réalisés : un pour la Suède, un pour les U.S.A et un autre à Vence…
Civilisation n° 1, 1971
Accumulation de détritus sous résine de polyester 120 x 90 x 12 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1982
Inv. 982.3.38
Également connu sous le nom Accumulation of garbage in polyester, l’œuvre se compose d’objets ménagers du quotidien moulés de façon aléatoire dans une résine protégée par un conteneur en Plexiglas de fabrication artisanale faisant office de poubelle.
À la longue, les objets contenus à l’intérieur s’altèrent, montrant le vieillissement des matières, tout comme celui de la boîte en Plexiglas elle-même, dont la transparence se ternie avec le temps (conséquence non recherchée lors de la création de l’œuvre).
Cette œuvre met l’accent sur le regard acerbe, parfois provocateur, mais non sans humour de l’artiste et des Nouveaux Réalistes sur la société de consommation.
Les objets à usage unique se développent à cette période. Les consommateurs jettent et rachètent sans se soucier de ce que deviennent les déchets. Ici, Arman confronte le spectateur/consommateur avec « ce qui le dégoûte » en le sublimant à l’aide de la résine qui forme un écrin.
Painting, 1984
Bronze à patine noire 88 x 64 x 5,5 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1985
Inv. 985.12.142
À partir de 1963, Arman ajoute la combustion à ses modes de traitement des objets en cette année où il expose à New York et y acquiert une résidence. C’est dans les années 1980 que l’éventail de sa production et de ses techniques se diversifie.
L’œuvre Painting appartient à une série de huit autres productions. Le cadre calciné d’un tableau propre aux Combustions, puis moulé dans du bronze, traduit sa volonté d’anéantir sa fonction première. A travers sa pratique gestuelle et destructrice, que l’on pourrait apparenter à une véritable performance, Arman donne à voir une nouvelle dimension des objets, parfois trop sacralisés, de notre quotidien.
Armand Fernandez dit Arman
Nice 1928 - New York 2005
Painter, sculptor and visual artist, he trained at the School of Decorative Arts in Nice (1946-1949) and then at the Ecole du Louvre (1949-1950). Known mainly for his Accumulation, (conceived from 1959), Arman is a pioneer artist in the use of manufactured objects. In 1960, he participates in the foundation of the group of New Realists. The same year, in reaction to Yves Klein’s exhibition “Le Vide” (1958) which presented completely empty rooms, Arman exhibited in the same gallery the “Le Plein” whose space was filled with garbage.
In 1961, during a stay in New York, Arman approaches different modes of destruction of objects: cut in the series Cuts, broken or damaged with Colères, or burned from 1963 in Combustions. Professor at the University of California in Los Angeles (1967-1968), he moved to New York in 1969 and adopted the American nationality.
O Tannenbaum, 1963
Cut-out zither and torn score pasted on panel 97 x 130 cm Purchased with the help of the FRAM, 1982
Inv. 982.3.39
Musical instruments are among the objects most used by the artist for the conception of his works. The artist who defines himself as a “showman of objects” offers us here a decomposition of a zither that reveals the different materials that compose the instrument.
In 2002-2003, Arman returned to easel painting in Serious Paintings, combining the recomposition of musical instruments with their “staging” in painting.
Les Hélices, 1980
Welded bronze propellers 210 x 95 x 90 cm Purchased with the help of the FRAM, 1981
Inv. 981.6.66
This accumulation of about 100 welded bronze boat propellers, seems to be listed also under the title Captain Nemo’s accumulation. This technique emphasises the weight and volume of the objects used while including a notion of balance.
Three other copies of this work were made: one for Sweden, one for the U.S.A. and another in Vence...
Civilisation n° 1, 1971
Accumulation of garbage under polyester resin 120 x 90 x 12 cm Purchased with the help of the FRAM, 1982
Inv. 982.3.38
Also known as Accumulation of garbage in polyester, the work consists of random household objects from everyday life moulded in resin protected by a homemade Plexiglas container acting as a bin.
Over time, the objects contained within alter, showing the ageing of the materials, as well as that of the Plexiglas box itself, whose transparency fades over time (a consequence not intended at the time the work was created).
This work emphasises the acerbic, sometimes provocative, but not humourless view of the artist and the Nouveaux Réalistes on the society of consumption.
Single-use objects were developing during this period. Consumers throw away and buy back without worrying about what happens to the rubbish. Here, Arman confronts the spectator/consumer with “what disgusts him” by sublimating it with the help of resin considered as a case.
Painting, 1984
Bronze with black patina 88 x 64 x 5.5 cm Purchase with the help of the FRAM, 1985
Inv. 985.12.142
From 1963 onwards, Arman added combustion to his modes of treating objects in that year when he exhibited in New York and acquired a residence there. It was in the 1980s that the range of his production and techniques diversified.
The work Painting belongs to a series of eight other productions. The charred frame of a painting from Combustions, then cast in bronze, expresses his desire to annihilate the object’s primary function. Through his gestural and destructive practice, which could be likened to a real performance, Arman gives a new dimension to the sometimes overly sacred objects of our daily lives.
Armand Fernandez dit Arman
Nizza 1928 - New York 2005
Pittore, scultore e artista visivo, si è formato alla Scuola di Arti Decorative di Nizza (1946-1949) e poi all’Ecole du Louvre (1949-1950). Conosciuto principalmente per il suo Accumulation, (concepito a partire dal 1959), Arman è un artista precursore nell’uso di oggetti fabbricati. Nel 1960, ha partecipato alla fondazione del gruppo dei Nuovi Realisti. Lo stesso anno, in reazione alla mostra di Yves Klein «Le Vide» (1958) che presentava stanze completamente vuote, Arman espose nella stessa galleria «Le Plein», il cui spazio fu riempito di spazzatura.
Nel 1961, durante un soggiorno a New York, Arman si avvicina a diverse modalità di distruzione degli oggetti: tagliati nella serie Cuts, rotti o danneggiati con Colères, o bruciati a partire dal 1963 in Combustions. Professore all’Università della California a Los Angeles (1967-1968), si è trasferito a New York nel 1969 e ha adottato la nazionalità americana.
O Tannenbaum, 1963
Cetra ritagliata e spartito strappato incollato su pannello 97 x 130 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1982
Inv. 982.3.39
Gli strumenti musicali sono tra gli oggetti più utilizzati dall’artista nella progettazione delle sue opere. L’artista che si definisce showman di oggetti" ci offre qui una decomposizione di una cetra che rivela i diversi materiali che compongono lo strumento.
Nel 2002-2003, Arman torna alla pittura da cavalletto in Serious Paintings, combinando la ricomposizione di strumenti musicali con la loro «messa in scena» nella pittura.
Les Hélices, 1980
Eliche in bronzo saldate 210 x 95 x 90 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1981
Inv. 981.6.66
Questo accumulo di cento eliche di barca in bronzo saldate, sembra essere elencato anche sotto il titolo l’accumulo del capitano Nemo. Questa tecnica enfatizza il peso e il volume degli oggetti usati mentre include una nozione di equilibrio.
Sono state fatte altre tre copie di quest’opera: una per la Svezia, una per gli Stati Uniti e un’altra a Vence...
Civilisation n° 1, 1971
Accumulo di rifiuti sotto la resina di poliestere 120 x 90 x 12 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1982
Inv. 982.3.38
Conosciuto anche come Accumulo di spazzatura in poliestere, l’opera consiste in oggetti casuali di casa di tutti i giorni modellati in resina protetti da un contenitore di Plexiglas fatto in casa che funge da cestino.
Con il tempo, gli oggetti contenuti all’interno si alterano, mostrando l’invecchiamento dei materiali, così come quello della stessa scatola di plexiglas, la cui trasparenza si appanna con il tempo (una conseguenza non prevista al momento della creazione dell’opera).
Quest’opera sottolinea la visione acerba, a volte provocatoria, ma non senza umorismo, dell’artista e dei Nuovi Realisti sulla società del consumo.
In questo periodo si stavano sviluppando oggetti monouso. I consumatori buttano via e ricomprano senza preoccuparsi di cosa succede alla spazzatura. Qui, Arman affronta lo spettatore/consumatore con «ciò che lo disgusta» sublimandolo con l’aiuto della resina considerata come un caso.
Painting, 1984
Bronzo con patina nera 88 x 64 x 5,5 cm Acquisto con l’aiuto del FRAM, 1985
Inv. 985.12.142
A partire dal 1963, Arman aggiunge combustione ai suoi modi di trattare gli oggetti in quell’anno in cui espone a New York e vi acquisisce una residenza. Fu negli anni ’80 che la gamma della sua produzione e delle sue tecniche si diversificò.
L’opera Pittura appartiene a una serie di altre otto produzioni. La cornice carbonizzata di un dipinto specifico di Combustioni, poi fusa in bronzo, traduce il suo desiderio di annientare la funzione primaria dell’oggetto. Attraverso la sua pratica gestuale e distruttiva, che potrebbe essere paragonata a una vera e propria performance, Arman dà una nuova dimensione agli oggetti, a volte troppo sacri, della nostra vita quotidiana.
César Baldaccini dit César
Marseille 1921 – Paris 1998
César est un sculpteur formé à l’Ecole des beaux-arts de Marseille (1935-1939) et aux Beaux-Arts de Paris (1943). Ses premières œuvres sont des sculptures dont le matériau principal est le métal. Grâce à l’apprentissage de la soudure, il conçoit des assemblages d’objets métalliques de récupération. En 1960, il crée ses premières compressions de voitures réalisées à l’aide d’une presse métallique. Ici, l’action industrielle se substitue à l’action manuelle du sculpteur et marque la rupture avec la tradition. Ce geste radical n’échappe pas à Pierre Restany qui l’invite à rejoindre le groupe des Nouveaux Réalistes. De 1965 à 1967, ses sculptures prennent la forme de moulages humains. Ces empreintes de corps sont ensuite agrandies de façon gigantesque. L’artiste connait alors la célébrité grâce au moulage de son pouce. Après cette période, César découvre un nouveau matériau : le polyuréthane, une mousse expansive qui se solidifie au contact de l’air. Débute alors la série des Expansions.
Sein, 1967
Moulage en polyester 82x 193x 266 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1982
Inv. 982.3.31
En 1966 César souhaite prendre l’empreinte d’un sein appartenant à une star de cinéma. Il pense alors à Brigitte Bardot ou à Jane Fonda. Finalement, il se servira de l’anatomie d’une danseuse du Crazy Horse envoyée par son ami Alain Bernardin.
L’agrandissement du moulage sera décliné selon divers matériaux : le plastique, le cristal, le sucre ou encore la fonte de fer. Celui des collections du MAT est un tirage en résine polyester stratifiée sur une première couche de Gelcoat appliquée dans le moule.
Les moulages sont pour César une façon de cartographier le corps humain. Il s’inscrit directement dans le sillage de Klein qui pratiquait également cette technique quelques années auparavant.
César Baldaccini dit César
Marseille 1921 - Paris 1998
César is a sculptor trained at the School of Fine Arts in Marseille (1935-1939) and at the Beaux-Arts in Paris (1943). His first works are sculptures whose main material is metal. Thanks to the learning of welding, he conceives assemblies of metal objects of recovery. In 1960, he creates his first compressions of cars made with a metal press. Here, the industrial action replaces the manual action of the sculptor and marks the break with tradition. This radical gesture does not escape Pierre Restany who invites him to join the group of Nouveaux Réalistes. From 1965 to 1967, his sculptures take the form of human casts. These prints of bodies are then enlarged in a gigantic way. The artist became famous thanks to the casting of his thumb. After this period, César discovered a new material: polyurethane, an expansive foam that solidifies in contact with air. This was the beginning of the Expansions series.
Sein, 1967
Polyester molding 82x 193x 266 cm Purchased with the help of the FRAM, 1982
Inv. 982.3.31
In 1966 César wished to take an imprint of a breast belonging to a film star. He then thought of actresses Brigitte Bardot or Jane Fonda. Finally, he used the anatomy of a dancer from the Crazy Horse sent by his friend Alain Bernardin.
The enlargement of the cast will be made of various materials, including plastic, crystal, sugar or cast iron. The one in the MAT collections is a print in polyester resin laminated on a first layer of gelcoat applied in the mould.
For César, mouldings are a way of mapping the human body. He is directly following in the footsteps of Klein who also used this technique a few years earlier.
César Baldaccini dit César
Marsiglia 1921 - Parigi 1998
César è uno scultore formatosi alla Scuola di Belle Arti di Marsiglia (1935-1939) e alle Beaux-Arts di Parigi (1943). Le sue prime opere sono sculture il cui materiale principale è il metallo. Grazie all’apprendimento della saldatura, concepisce assemblaggi di oggetti metallici di recupero. Nel 1960, ha creato le sue prime compressioni di automobili fatte con una pressa di metallo. Qui, l’azione industriale sostituisce l’azione manuale dello scultore e segna una rottura con la tradizione. Questo gesto radicale non sfugge a Pierre Restany che lo invita ad unirsi al gruppo dei Nouveaux Réalistes. Dal 1965 al 1967, le sue sculture prendono la forma di calchi umani. Queste stampe di corpi si ingrandiscono allora in modo gigantesco. L’artista è diventato famoso grazie alla fusione del suo pollice. Dopo questo periodo, César scopre un nuovo materiale: il poliuretano, una schiuma espansiva che si solidifica a contatto con l’aria. Questo fu l’inizio della serie Espansioni.
Sein, 1967
Stampaggio del poliestere 82x 193x 266 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1982
Inv. 982.3.31
Nel 1966 César desiderava prendere l’impronta di un seno di una star del cinema. Poi ha pensato a Brigitte Bardot o a Jane Fonda. Infine, ha utilizzato l’anatomia di una ballerina del Crazy Horse inviata dal suo amico Alain Bernardin.
L’ingrandimento del calco sarà fatto di vari materiali, tra cui plastica, cristallo, zucchero o ghisa. Quella delle collezioni MAT è una stampa in resina poliestere laminata su un primo strato di gelcoat applicato nello stampo.
Per César, le modanature sono un modo di mappare il corpo umano. Sta seguendo direttamente le orme di Klein che ha anche usato questa tecnica qualche anno prima.
Jacques Villeglé
Quimper 1926
Jacques Mahé de la Villeglé est un plasticien et peintre français formé à l’école de Beaux-Arts de Rennes où il fait la connaissance de Raymond Hains.
En 1960, il fait partie des dix artistes réunis autour de Pierre Restany pour former le groupe des Nouveaux Réalistes. Au hasard de ses promenades urbaines, Villeglé trouve la matière première de ses créations : les affiches lacérées. Les mains des passants déchirent, arrachent le papier laissant apparaître les affiches collées précédemment.
Différentes compositions se révèlent, formées par les mélanges de couches successives.
Parallèlement à son activité de collecteur d’affiches lacérées,Villeglé a participé aux montages de films de Hains, Etudes aux allures, Pénélope et Défense d’afficher – Loi du 29 juillet 1881. Il a réalisé Paris-Saint-Brieuc (1952) et Le mythe dans la ville (1974).
Son œuvre a fait l’objet de nombreuses expositions dans le monde entier.
Les surplus transparents, 1961
Affiches lacérées marouflées sur toile 194 x 215 cm Achat avec l’aide de FRAM, 1982
Inv. 982.5.54
Cette œuvre est constituée d’une multitude d’affiches superposées dont la pluie et l’humidité ont délavé le papier et usé les couches supérieures.
Villeglé présente une peinture abstraite aux « couleurs déchirées » sans avoir touché un pinceau. Il questionne ainsi le rôle de l’artiste qui se dispense du geste créateur au profit du geste collectif et anonyme (les passants qui lacèrent, collent ou décollent les affichent participent à la création de l’œuvre future). Son travail consiste à flâner dans les rues de la ville en mutation où les affiches des murs racontent des histoires passées. Sur une même œuvre, diverses impressions se mêlent (publicité, actualité politique, artistique…) aux couleurs multiples et aux typographies variées. Autant de témoignages et de multitudes d’événements qui ont marqué l’histoire de la rue.
Jacques Villeglé
Quimper 1926
Jacques Mahé de la Villeglé is a French visual artist and painter trained at the School of Fine Arts in Rennes where he met Raymond Hains.
In 1960, he was one of the ten artists gathered around Pierre Restany to form the group of the New Realists. In the course of his urban strolls, Villeglé finds the raw material for his creations: torn POSTERS / DISPLAYS posters. The hands of passers-by tear, tear the paper, revealing the posters previously stuck on.
Different compositions are revealed, formed by the mixtures of successive layers.
In parallel with his activity as a collector of torn posters, Villeglé has participated in the editing of films by Hains, Etudes aux allures, Pénélope and Défense d’afficher - Loi du 29 juillet 1881. He directed Paris-Saint-Brieuc (1952) and The myth in the city (1974).
His work has been the subject of numerous exhibitions throughout the world.
Les surplus transparents, 1961
Torn posters mounted on canvas 194 x 215 cm Purchased with the help of FRAM, 1982
Inv. 982.5.54
This work consists of a multitude of superimposed posters whose rain and humidity have washed away the paper and worn away the upper layers.
Villeglé}} presents an abstract painting with “torn colors” without having touched a brush. He thus questions the role of the artist, who dispenses with the creative gesture in favor of the collective and anonymous gesture (the passers-by who tear, stick or peel off the posters participate in the creation of the future work). His work consists in strolling in the streets of the city in mutation where the posters on the walls tell past stories. On the same work, various impressions are mixed (advertising, political news, artistic...) with multiple colors and varied typographies. So many testimonies and multitudes of events that have marked the history of the street.
Jacques Villeglé
Quimper 1926
Jacques Mahé de la Villeglé è un artista e pittore francese formatosi alla Scuola di Belle Arti di Rennes dove ha incontrato Raymond Hains.
Nel 1960, fu uno dei dieci artisti riuniti intorno a Pierre Restany per formare il gruppo dei Nuovi realisti. Nel corso delle sue passeggiate urbane, Villeglé trova la materia prima per le sue creazioni: manifesti strappati MANIFESTI / DISPLAY. Le mani dei passanti strappano, strappare la carta, rivelando i poster attaccati in precedenza.
Si rivelano composizioni diverse, formate dalla mescolanza di strati successivi.
Parallelamente al suo lavoro di collezionista di manifesti strappati, Villeglé ha partecipato al montaggio dei film di Hains, Etudes aux allures, Pénélope e Défense d’afficher - Loi du 29 juillet 1881. Ha diretto Paris-Saint-Brieuc (1952) e Il mito nella città (1974).
Il suo lavoro è stato oggetto di numerose mostre in tutto il mondo.
Les surplus transparents, 1961
Manifesti strappati montati su tela 194 x 215 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1982
Inv. 982.5.54
Quest’opera è composta da una moltitudine di poster sovrapposti la cui pioggia e l’umidità hanno lavato via la carta e consumato gli strati superiori.
Villeglé}} presenta una pittura astratta con «colori strappati» senza aver toccato un pennello. Mette così in discussione il ruolo dell’artista, che rinuncia al gesto creativo a favore del gesto collettivo e anonimo (i passanti che strappano, incollano o staccano i manifesti partecipano alla creazione dell’opera futura). Il suo lavoro consiste nel passeggiare per le strade della città che cambia, dove i manifesti sui muri raccontano storie passate. Sullo stesso lavoro si mescolano varie impressioni (pubblicità, notizie politiche, artistiche...) con più colori e varie tipografie. Tante testimonianze e tanti eventi che hanno segnato la storia della strada.
Gérard Deschamps
Lyon 1937
Artiste autodidacte, il s’oriente dès 1955 vers la peinture abstraite, mais s’en détourne rapidement pour commencer à travailler le tissu, élément emblématique de son œuvre. Il chine et récupère du textile qu’il plie, enduit et colle, afin de former des Tableaux-reliefs. Les objets usés et usagés sont pour lui porteurs d’une histoire. Il se définit ainsi comme un archéologue, un historien et un conservateur dont le devoir est « de rendre compte d’une époque. »
Ses premières œuvres, des accumulations de lingerie féminine, sont exposées en 1960 par Arman qui l’introduit auprès des Nouveaux Réalistes. Parallèlement à ses Chiffons, il débute une série sur la thématique militaire, en souvenir de son expérience de la guerre d’Algérie.
Dans les années 1980, Deschamps revisite son art et explore des thématiques autour du loisir ou de la plage. Il développe davantage ses Panoplies et délaisse le tissu au profit de l’objet neuf aux couleurs fluorescentes. Depuis 2000, il conçoit ses Pneumostructures : installations d’objets standardisés gonflables issus du commerce, très colorés, qu’il détourne d’une manière ludique.
Plastique à la tapette, 1961
Toiles cirées, balais et tapette sous vitrine 91,2 x 193,6 x 17,3 cm Achat, 1983
Inv. 983.5.61
Plastique à la tapette est emblématique de son travail des Panoplies (intégration d’objets neufs à ses œuvres). Des têtes de balais et une tapette pour battre les tapis surgissent d’un fond recouvert de nappes et de toiles cirées. L’artiste joue avec les matières, le mouvement et les formes comme le ferait un peintre.
Les différents éléments évoquent l’espace privé du domicile. C’est le quotidien de la femme des années 1960 qui nous est présenté, période de profusion des ustensiles dédiés au ménage et aux soins du foyer. Cette œuvre pourrait s’opposer à son travail sur le thème militaire, aux formes plus tranchantes et masculines. Toutefois, cela révèle la grande pluralité de son œuvre, qui est voulue comme le commentaire d’une époque qu’il est en train de vivre. Les Panoplies sont les natures mortes de la société de consommation moderne et abondante. Les couleurs industrielles sont créées dans le but d’attirer et de plaire aux consommateurs.
Gérard Deschamps
Lyon 1937
A self-taught artist, he turned to abstract painting in 1955, but quickly turned away to begin working with fabric, the emblematic element of his work. He hunts and recovers textiles that he folds, coats and glues, in order to form Tableaux-reliefs. The objects used and worn are for him carriers of a history. He thus defines himself as an archaeologist, a historian and a curator whose duty is “to give an account of an era. ”
His first works, accumulations of female lingerie, are exposed in 1960 by Arman who introduces him to the New Realists. In parallel with his Chiffons, he began a series on military themes, in memory of his experience of the Algerian war.
In the 1980s, Deschamps revisited his art and explored themes around leisure and the beach. He further developed his Panoplies and abandoned fabric in favor of new objects in fluorescent colors. Since 2000, he has been designing his Pneumostructures: installations of standardized inflatable objects from the trade, very colorful, which he diverts in a playful way.
Plastique à la tapette, 1961
Waxed canvas, brooms and beater under glass
91.2 x 193.6 x 17.3 cm
Purchase, 1983
Inv. 983.5.61
Plastique à la tapette is emblematic of his Panoplies work (integrating new objects into his works). Broom heads and a carpet beater emerge from a background covered with tablecloths and waxed canvas. The artist plays with materials, movement and shapes as a painter would.
The different elements evoke the private space of the home. It is the daily life of the woman of the 1960s that is presented to us, a period of profusion of utensils dedicated to the household and the care of the home. This work could be contrasted with her work on the military theme, with its sharper and more masculine forms. However, it reveals the great plurality of his work, which is intended as a commentary on the times he is living in. The Panoplies are still lifes of the modern, abundant consumer society. The industrial colours are created to attract and please the consumer.
Gérard Deschamps
Lione 1937
Artista autodidatta, si rivolge alla pittura astratta nel 1955, ma presto si allontana e inizia a lavorare con il tessuto, elemento emblematico della sua opera. Caccia e recupera tessuti che piega, riveste e incolla per formare dei Tableaux-reliefs. Gli oggetti usati e indossati sono per lui portatori di una storia. Si definisce così un archeologo, uno storico e un curatore il cui compito è «dare conto di un’epoca». "
Le sue prime opere, accumuli di lingerie femminile, furono esposte nel 1960 da Arman, che lo introdusse ai Nouveaux Réalistes. Accanto ai suoi Chiffons, inizia una serie su temi militari, in ricordo della sua esperienza della guerra d’Algeria.
Negli anni 1980, Deschamps rivisita la sua arte ed esplora i temi del tempo libero e della spiaggia. Sviluppò ulteriormente i suoi Panoplie e abbandonò il tessuto in favore di nuovi oggetti in colori fluorescenti. Dal 2000 progetta le sue Pneumostrutture: installazioni di oggetti gonfiabili standardizzati di provenienza commerciale, molto colorati, che lui devia in modo giocoso.
Plastique à la tapette, 1961
Tela cerata, scope e un scacciamosche in una vetrina 91,2 x 193,6 x 17,3 cm Acquisto, 1983
Inv. 983.5.61
Plastique à la tapette è emblematico del suo lavoro Panoplie (integrare nuovi oggetti nelle sue opere). Teste di scopa e un battitappeto emergono da uno sfondo coperto di tovaglie e tela cerata. L’artista gioca con i materiali, il movimento e le forme come farebbe un pittore.
I diversi elementi evocano lo spazio privato della casa. È la vita quotidiana della donna degli anni 60 che ci viene presentata, un periodo di profusione di utensili dedicati alla casa e alla cura della casa. Questo lavoro potrebbe essere contrapposto al suo lavoro sul tema militare, con le sue forme più nitide e maschili. Tuttavia, rivela la grande pluralità della sua opera, che vuole essere un commento ai tempi in cui vive. Le Panoplie sono nature morte della moderna e abbondante società di consumo. I colori industriali sono creati per attirare e compiacere i consumatori.
Yves Klein
Nice 1928 - Paris 1962
Après des études à l’École nationale de la marine marchande de Nice (1944-1946), il se lie d’amitié avec Claude Pascal et Arman. Dès 1949, il élabore ses premiers Monochromes. A travers eux, Klein marque le pouvoir de la couleur sur le dessin. En 1957, il abandonne les variations chromatiques pour choisir le bleu comme couleur unique. En 1960, il dépose un brevet pour l’International Klein Blue (IKB), un bleu outremer profond qu’il a lui-même créé. La même année, le manifeste des Nouveaux Réalistes est signé à son domicile.
Parallèlement, il réalise au cours d’une performance ses premières Anthropométries (des empreintes de corps féminins enduits de son bleu). Dans les années 1960, il étend sa pratique artistique, en peignant avec de l’or (série des Monogolds), en créant ses premières Cosmogonies (tableaux portant des traces de l’effet des éléments naturels), en réalisant ses Peintures de feu (où il utilise les flammes de gaz en guise de pinceaux) et en exécutant ses Portait-Reliefs (moulages d’Arman, Martial Raysse et Claude Pascal).
Portrait-relief de Martial Raysse, 1962
Bronze peint sur panneau doré à la feuille 175 x 95 x 38 cm Achat avec l’aide du FRAM, 1984
Inv. 985.2.58
Portrait-relief de Martial Raysse est l’une des œuvres d’un ensemble réalisé par Yves Klein en 1962 à partir du moulage des corps de ses amis, Arman et Claude Pascal. Il existe plusieurs tirages de cette œuvre, le MAT possède le numéro 2/6.
Yves Klein propose une nouvelle forme du genre du portrait traditionnel, son œuvre n’est ni une sculpture, ni une peinture, mais un portrait en relief conçu par moulage. Il s’agit de celui de Martial Raysse, ami de Klein et membre des Nouveaux Réalistes. Rappelant la statuaire antique, le corps incomplet prend place au sein d’un ensemble constitué du support/vitrine également réalisé par Klein. L’utilisation de la feuille d’or et de l’International Klein Blue* donne au Portrait-relief de Martial Raysse un caractère unique, presque sacré.
Yves Klein
Nice 1928 - Paris 1962
After studying at the National School of the Merchant Navy in Nice (1944-1946), he became friends with Claude Pascal and Arman. In 1949, he created his first Monochromes. Through them, Klein marked the power of color over drawing. In 1957, he abandoned chromatic variations and chose blue as his only color. In 1960, he filed a patent for International Klein Blue (IKB), a deep ultramarine blue that he created himself. The same year, the manifesto of the New Realists was signed at his home.
At the same time, during a performance, he made his first Anthropometriesprints of female bodies coated with his blue). In the 1960s, he extends his artistic practice, by painting with gold (series of the Monogolds), by creating his first Cosmogonies (paintings carrying traces of the effect of the natural elements), by carrying out his Paintings of fire (where he uses the flames of gas as brushes) and by carrying out his Portait-Reliefs (mouldings of Arman, Martial Raysse and Claude Pascal).
Portrait-relief de Martial Raysse, 1962
Bronze painted on gilded panel 175 x 95 x 38 cm Purchased with the help of the FRAM, 1984
Inv. 985.2.58
Portrait-relief of Martial Raysse is one of the works in a set made by Yves Klein in 1962 from the castings of the bodies of his friends, Arman and Claude Pascal. There are several prints of this work, the MAT has the number 2/6.
Yves Klein proposed a new form of the traditional portrait genre; his work is neither a sculpture nor a painting, but a portrait-relief created by casting. It is that of Martial Raysse, a friend of Klein’s and a member of the New Réalists. Reminiscent of ancient statuary, the incomplete body takes its place within an ensemble made up of the support/window also created by Klein. The use of gold leaf and International Klein Blue* gives Martial Raysse’s portrait a unique, almost sacred character.
Yves Klein
Nizza 1928 - Parigi 1962
Dopo aver studiato alla Scuola Nazionale della Marina Mercantile di Nizza (1944-1946), divenne amico di Claude Pascal e Arman. Nel 1949, produce i suoi primi Monocromi. Attraverso di loro, Klein ha segnato il potere del colore sul disegno. Nel 1957, abbandona le variazioni cromatiche e sceglie il blu come unico colore. Nel 1960, ha brevettato International Klein Blue (IKB), un blu oltremare profondo che ha creato lui stesso. Lo stesso anno, il manifesto dei Nuovi Realisti fu firmato a casa sua.
Allo stesso tempo, durante una performance, realizzò le sue prime Antropometrie (stampe di corpi femminili ricoperti del suo blu). Negli anni sessanta, estende la sua pratica artistica, dipingendo con l’oro (la serie Monogolds), creando le sue prime Cosmogonie (dipinti che portano tracce dell’effetto degli elementi naturali), realizzando i suoi Paintings of Fire (in cui usa fiamme di gas come pennelli) ed eseguendo i suoi Portait-Reliefs (calchi di Arman, Martial Raysse e Claude Pascal).
Portrait-relief de Martial Raysse, 1962
Bronzo dipinto su pannello dorato 175 x 95 x 38 cm Acquistato con l’aiuto del FRAM, 1984
Inv. 985.2.58
Il ritratto-rilievo di Martial Raysse è una delle opere di un insieme realizzato da Yves Klein nel 1962 dai calchi dei corpi dei suoi amici, Arman e Claude Pascal. Ci sono diverse stampe di quest’opera, la MAT ha il numero 2/6.
Yves Klein ha proposto una nuova forma del genere tradizionale del ritratto; la sua opera non è né una scultura né un dipinto, ma un ritratto-rilievo creato per fusione. È quella di Martial Raysse, amico di Klein e membro dei Nuovi Realisti. Ricordando la statuaria antica, il corpo incompleto prende il suo posto all’interno di un insieme costituito dal supporto/finestra anch’esso creato da Klein. L’uso della foglia d’oro e dell’International Klein Blue* dà al ritratto di Martial Raysse un carattere unico, quasi sacro.
Martial Raysse
Golfe-Juan 1936
Martial Raysse est le plus jeune membre de la triade niçoise des Nouveaux Réalistes.
Considérant les Prisunic et autres grandes surfaces comme des musées d’art moderne, il y trouve les objets et matériaux pour produire ses œuvres. En opposition avec l’utilisation par d’autres membres du groupe d’objets de récupération, il se tourne vers l’assemblage de produits manufacturés issus de la société de consommation, à l’image du plastique.
Martial Raysse séjourne à New York en 1963, puis à Los Angeles où il expose à la Dwan Gallery, Mirrors and Portraits. Son recours au néon, qu’il utilise comme cliché renvoyant à l’univers de la publicité, le fait qualifier de "Plus Pop des Nouveaux Réalistes » en référence au Pop Art Américain.
Il poursuit ses recherches artistiques à travers la peinture qu’il considère comme une « avancée ». La couleur, l’humour et son regard sur notre société caractérisent l’ensemble de son œuvre.
Pot et fleur, 1963
Potence métallique et néon 261,5 x 190,5 x 80 cm Achat, 1981
Inv. : 981.6.52.1-6
Martial Raysse se démarque du reste du groupe des Nouveaux Réalistes par l’utilisation d’objets neufs impersonnels et par la joie de vivre qui se dégage de son travail. Les couleurs utilisées sont intenses et rappellent le Pop-Art américain.
En 1962, il intègre pour la première fois des néons à ses créations et produit par la suite de nombreux assemblages utilisant la lumière, comme pour Pot et Fleur.
L’ensemble est figé à la manière d’un décor hollywoodien ou d’une enseigne lumineuse. Les matériaux symboles de la modernité de l’époque tels que le plastique, les néons ou la peinture fluorescente attirent tout particulièrement le jeune artiste. Ils lui permettent de créer des œuvres colorées, attirantes et dénuées de toute implication affective comme pourrait l’être un objet usé portant les stigmates du temps.
Éléments de vocabulaire, 1967
Structure néon sur socle de bois et sous polyméthacrylate 51 x 50 x 63 cm Achat, 1980
Inv. 980.7.34
On retrouve dans cette œuvre le polyméthacrylate, matériau plastique que l’artiste a déjà utilisé dans ses travaux précédents les années 1960 pour créer des boîtes contenant des accumulations d’objets de consommation. Ce matériau moderne qui semble inaltérable, comme le souligne l’artiste, est utilisé comme un écrin. Il est tout aussi important dans son travail que le reste des éléments qui constituent ses œuvres.
Dans Eléments de vocabulaire les néons, empruntés au monde de la publicité, forment des courbes dans un jeu lumineux proche d’une sorte d’écriture ou d’un logo. Martial Raysse tend ici à simplifier les formes pour accroitre l’impact visuel. Le néon représente pour lui "la couleur vivante, une couleur par-delà la couleur », comme une affirmation de la continuité de la modernité par le renouvellement des techniques et des matériaux.
Martial Raysse
Golfe-Juan 1936
Martial Raysse is the youngest member of the Nice triad of the Nouveaux Réalistes.
Considering the Prisunic and other department stores as museums of modern art, he finds there the objects and materials to produce his works. In opposition to the use by other members of the group of salvage objects, he turns to assembly of manufactured products from consumer society, in the image of plastic.
Martial Raysse went to New York in 1963, then to Los Angeles where he exhibited at the Dwan Gallery, Mirrors and Portraits. His use of neon, which he uses as a cliché referring to the world of advertising, makes him qualified as “the most Pop of the New Realists” in reference to American Pop Art.
He continued his artistic research through painting, which he considered to be a “breakthrough”. Color, humor and his view of our society characterize all of his work.
Pot et fleur, 1963
Metal and neon gallows 261,5 x 190,5 x 80 cm Purchase, 1981
Inv. : 981.6.52.1-6
Martial Raysse stands out from the rest of the New Realist group by the use of new, impersonal objects and by the joie de vivre that emerges from his work. The colours used are intense and reminiscent of American Pop Art.
In 1962, he integrated neon lights into his creations for the first time and subsequently produced numerous assemblages using light, as in Pot and Flower.
The whole is frozen in the manner of a Hollywood set or a neon sign. The young artist was particularly attracted to materials that were symbols of the modernity of the time, such as plastic, neon lights and fluorescent paint. They allow him to create colourful, attractive works that are devoid of any emotional implications, as would be the case with a worn object bearing the scars of time.
Éléments de vocabulaire, 1967
Neon structure on a wooden base and under polymethacrylate 51 x 50 x 63 cm Purchase, 1980
Inv. 980.7.34
Polymethacrylate, a material that the artist had already used in his previous works in the 1960s to create boxes containing accumulations of consumer objects, is found in this work. This modern material, which seems unalterable, as the artist points out, is used as a case. It is just as important in his work as the rest of the elements that make up his works.
In Eléments de vocabulaire, the neon lights, borrowed from the world of advertising, form curves in a luminous play that resembles a kind of writing or logo. Here, Martial Raysse tends to simplify the forms to increase the visual impact. For him, neon represents “living colour, a colour beyond colour”, as an affirmation of the continuity of modernity through the renewal of techniques and materials.
Martial Raysse
Golfe-Juan 1936
Martial Raysse è il membro più giovane della triade nizzarda dei Nouveaux Réalistes.
Considerando Prisunic e altri grandi magazzini come musei d’arte moderna, vi trova gli oggetti e i materiali per produrre le sue opere. In opposizione all’uso da parte degli altri membri del gruppo di oggetti di recupero, si è rivolto all’assemblaggio di prodotti fabbricati dalla società dei consumi, a immagine della plastica.
Martial Raysse andò a New York nel 1963, poi a Los Angeles dove espose alla Dwan Gallery, Mirrors and Portraits. Il suo uso del neon, che usa come cliché riferendosi al mondo della pubblicità, lo fa qualificare come «il più Pop dei nuovi realisti» in riferimento alla Pop Art americana.
Continua la sua ricerca artistica attraverso la pittura, che considera come una «svolta». Il colore, l’umorismo e la sua visione della nostra società caratterizzano tutta la sua opera.
Pot et fleur, 1963
Forca di metallo e neon 261,5 x 190,5 x 80 cm Acquisto, 1981
Inv. : 981.6.52.1-6
Martial Raysse si distingue dal resto del gruppo del Nuovo Realismo per l’uso di nuovi oggetti impersonali e la gioia di vivere che emerge dal suo lavoro. I colori utilizzati sono intensi e ricordano la Pop Art americana.
Nel 1962 integra per la prima volta le luci al neon nelle sue creazioni e successivamente realizza numerosi assemblaggi con la luce, come in Pot and Flower.
Il tutto è congelato alla maniera di un set di Hollywood o di un’insegna illuminata. Il giovane artista era particolarmente attratto dai materiali simbolo della modernità dell’epoca, come la plastica, le luci al neon e la vernice fluorescente. Gli permettono di creare opere colorate, attraenti e prive di qualsiasi implicazione emotiva, come potrebbe essere il caso di un oggetto usurato che porta le stigmate del tempo.
Éléments de vocabulaire, 1967
Struttura al neon su una base di legno e sotto polimetacrilato 51 x 50 x 63 cm Acquisto, 1980
Inv. 980.7.34
Il polimetacrilato, un materiale che l’artista ha già utilizzato nelle sue opere precedenti negli anni ’60 per creare scatole contenenti accumuli di oggetti di consumo, si trova in questo lavoro. Questo materiale moderno, che sembra inalterabile, come sottolinea l’artista, è usato come un caso. È altrettanto importante nel suo lavoro quanto il resto degli elementi che compongono le sue opere.
In Eléments de vocabulaire, le luci al neon, prese in prestito dal mondo della pubblicità, formano delle curve in un gioco luminoso che si avvicina a una sorta di scrittura o logo. Martial Raysse tende qui a semplificare le forme per aumentare l’impatto visivo. Per lui, il neon rappresenta «il colore vivo, un colore oltre il colore», come affermazione della continuità della modernità attraverso il rinnovamento delle tecniche e dei materiali.
Niki de Saint-Phalle
Neuilly-sur-Seine 1930 San Diego/États-Unis 2002
Autodidacte et artiste engagée, Catherine Fal de Saint-Phalle dite Niki de Saint-Palle, était à la fois mannequin, sculptrice, peintre, plasticienne et réalisatrice de films.
Inspirée par l’Art brut, la découverte de Gaudi et du Facteur Cheval a influencé son œuvre.
A l’âge de 22 ans, victime d’une grave dépression nerveuse, Niki de Saint-Phalle est soignée en hôpital psychiatrique et commence son initiation à la peinture, véritable libération. Son travail s’oriente très rapidement vers les assemblages, les reliefs et la sculpture.
Ses Tirs à la Carabine (à partir de 1961), scandalisent et lui apportent une reconnaissance internationale.
Ses Nanas, figures féminines déformées et bariolées feront aussi sa renommée dans le milieu des années 1960.
Monstre, 1963
Assemblage d’objets plastiques 78 x 99 x 55,5 cm Achat, 1983
Inv. 983.5.62
Le Monstre est réalisé par assemblage d’objets trouvés, autour d’une structure en fer. Ici les jouets en plastique dominent et composent l’œuvre.
Certains, fondus, ne sont plus reconnaissables. Ce lien à l’enfance contraste avec la figure de cet hybride menaçant armé d’un couteau factice. Toute la tension de l’œuvre réside dans l’opposition entre les objets et matériaux utilisés. Ils évoquent l’innocence, l’insouciance face à une figure effrayante qui renvoie à l’inceste qu’a subi l’artiste pendant son adolescence et dont elle ne parlera qu’à l’âge de 64 ans dans son livre Mon Secret.
La thématique du monstre et l’intérêt pour tout ce qui relève de « l’inquiétante étrangeté » peuplent l’œuvre de l’artiste. Elle réalisera notamment quelque années plus tard Le Monstre de Soisy en collaboration avec Martial Raysse et son époux Jean Tinguely.
Niki de Saint-Phalle
Neuilly-sur-Seine 1930 San Diego/USA 2002
Self-taught and committed artist, Catherine Fal de Saint-Phalle known as Niki de Saint-Palle, was a model, sculptor, painter, visual artist and film director.
Inspired by the Art brut, the discovery of Gaudi and the Facteur Cheval influenced her work.
At the age of 22, victim of a serious nervous breakdown, Niki de Saint-Phalle was treated in a psychiatric hospital and began her initiation to painting, a true liberation. Her work quickly turned to assemblages, reliefs and sculpture.
His Rifle Shots (from 1961), scandalize and bring him international recognition.
His Nanas, deformed and colorful female figures will also make his reputation in the mid 1960s.
Monstre, 1963
Assembly of plastic objects 78 x 99 x 55.5 cm Purchase, 1983
Inv. 983.5.62
The Monster is made by compiling and assembling found objects, around an iron structure. Here plastic toys dominate and compose the work.
Some of them, melted, are no longer recognizable. This link to childhood contrasts with the figure of this threatening hybrid armed with a fake knife. The tension of the work lies in the opposition between the objects and materials used, which evoke innocence and carefreeness, and the frightening composite figure, which refers to the incest that the artist suffered during her adolescence and about which she did not speak until she was 64 years old in her book Mon Secret.
The theme of the monster and the interest in everything that is “disturbingly strange” populate the artist’s work. A few years later, she produced Le Monstre de Soisy in collaboration with Martial Raysse and her husband Jean Tinguely.
Niki de Saint-Phalle
Neuilly-sur-Seine 1930 San Diego/USA 2002
Artista autodidatta e impegnata, Catherine Fal de Saint-Phalle, conosciuta come Niki de Saint-Phalle, fu modella, scultrice, pittrice, artista visiva e regista.
Ispirata dall’art brut, la scoperta di Gaudi e del Facteur Cheval ha influenzato il suo lavoro.
A 22 anni, vittima di un grave esaurimento nervoso, Niki de Saint-Phalle fu curata in un ospedale psichiatrico e iniziò la sua iniziazione alla pittura, una vera liberazione. Il suo lavoro si è rapidamente rivolto a assemblaggi, rilievi e alla scultura.
I suoi Scatti di fucile (del 1961), scandalizzano e lo portano al riconoscimento internazionale.
Le sue Nanas, figure femminili deformi e colorate, lo renderanno anche famoso a metà degli anni 60.
Monstre, 1963
Assemblaggio di oggetti in plastica 78 x 99 x 55,5 cm Acquisto, 1983
Inv. 983.5.62
Il Mostro è fatto compilando e assemblando oggetti trovati, intorno a una struttura di ferro. Qui i giocattoli di plastica dominano e compongono l’opera.
Alcuni di loro, fusi, non sono più riconoscibili. Questo legame con l’infanzia contrasta con la figura di questo ibrido minaccioso armato di un coltello finto. La tensione dell’opera sta nell’opposizione tra gli oggetti e i materiali utilizzati, che evocano innocenza e spensieratezza, e la spaventosa figura composita, che si riferisce all’incesto che l’artista ha subito durante l’adolescenza e di cui non ha parlato fino all’età di 64 anni nel suo libro Mon Secret.
Il tema del mostro e l’interesse per tutto ciò che è «inquietantemente strano» popolano l’opera dell’artista. Qualche anno dopo, produsse Le Monstre de Soisy in collaborazione con Martial Raysse e suo marito Jean Tinguely.
Daniel Spoerri
Galati/Roumanie 1930
L’itinéraire de Daniel Spoerri (Daniel Isaak Feinstein) a pour point de départ Galati en Roumanie qu’il fuit en 1942 pour la Suisse où il rencontre Tinguely en 1949.
Premier danseur à l’Opéra de Berne entre 1954 et 1957, il travaille comme metteur en scène et fonde la revue de poésie concrète Matérial.
À Paris, en 1959, il conçoit les éditions MAT (Multiplication d’Art Transformable) dont l’objectif est de produire des œuvres d’art multiples dans une série aussi peu coûteuse que possible. En 1960, il met au point ses premiers Tableaux pièges exposés au Festival d’avant-garde de la porte de Versailles et signe la déclaration du Nouveau Réalisme la même année.
En 1963, il transforme la Galerie J en restaurant puis en expose les ustensiles : la cuisine devient une dimension complémentaire de ses activités. L’ouverture d’un restaurant à Düsseldorf en 1968 lui permet de fixer les reliefs de repas en autant de Tableaux pièges.
Cette œuvre ne peut actuellement être exposée pour des raisons de conservation
Cette œuvre fait partie des Natures Mortes de l’artiste.
Ses mises en scènes constituées de cadavres d’animaux naturalisés et d’objets, manifestent un refus permanent des conventions aussi bien qu’une relation ambiguë avec la mort et les procédés de conservation.
Daniel Spoerri s’intéresse aux rebus et aux déchets dans une société qui se tourne vers les objets neufs et jetables. Il chine des objets avant de leur donner une seconde vie dans ses assemblages. Ils ont déjà été utilisés et présentent donc les traces et les vestiges de leurs vies précédentes. Ils sont pour la plupart marqués par le temps, abîmés et rafistolés. Le point commun entre tous les éléments qu’il combine est leur portée historique, narrative et sentimentale.
Le chien, 1982
Chien naturalisé, table et objet métallique 130 x 80 cm Achat 1983
Inv. : 983.3.37.1-3
Daniel Spoerri
Galati/Romania 1930
Daniel Spoerri’s (Daniel Isaak Feinstein) itinerary began in Galati, Romania, which he fled in 1942 for Switzerland, where he met Tinguely in 1949.
Between 1954 and 1957, he was a principal dancer at the Bern Opera and worked as a stage director, founding the concrete poetry magazine Matérial.
In Paris, in 1959, he conceived the editions MAT (Multiplication d’Art Transformable) whose objective was to produce multiple works of art in a series as inexpensive as possible. In 1960, he develops his first Tableaux pièges exposed to the Festival of avant-garde of the door of Versailles and signs the declaration of the Nouveau Réalisme the same year.
In 1963, he transformed the Galerie J into a restaurant and then exhibited the utensils: the kitchen became a complementary dimension of his activities. The opening of a restaurant in Düsseldorf in 1968 allowed him to fix the reliefs of meals in as many Tableaux pièges.
This work is part of the artist’s Natures Mortes.
His stagings, made up of naturalized animal corpses and objects, show a permanent refusal of conventions as well as an ambiguous relationship with death and the processes of conservation.
Daniel Spoerri is interested in waste in a society that turns to new and disposable objects. He hunts down objects and gives them a second life in his assemblages. They have already been used and therefore show the traces and vestiges of their previous lives. Most of them are marked by time, damaged and patched up. The common point between all the elements he assembles is their historical, narrative and sentimental significance.
Le chien, 1982
Naturalized dog, table and metal object 130 x 80 cm Purchase 1983
Inv. : 983.3.37.1-3
Daniel Spoerri
Galati/Romania 1930
La carriera di Daniel Spoerri (Daniel Isaak Feinstein) iniziò a Galati, in Romania, da cui fuggì nel 1942 in Svizzera, dove incontrò Tinguely nel 1949.
Tra il 1954 e il 1957, è stato primo ballerino all’Opera di Berna, ha lavorato come regista teatrale e ha fondato la rivista di poesia concreta Matérial.
A Parigi, nel 1959, concepì le edizioni MAT (Multiplication d’Art Transformable), il cui obiettivo era quello di produrre più opere d’arte in serie nel modo più economico possibile. Nel 1960, sviluppa i suoi primi Tableaux pièges esposti al festival d’avanguardia alla Porta di Versailles e firma la dichiarazione del Nouveau Réalisme lo stesso anno.
Nel 1963, trasforma la Galerie J in un ristorante e poi espone gli utensili: la cucina diventa una dimensione complementare della sua attività. L’apertura di un ristorante a Düsseldorf nel 1968 gli permise di fissare i rilievi dei pasti in altrettanti [quadri Trap].
Quest’opera fa parte delle Natures Mortes dell’artista.
Le sue messe in scena, composte da cadaveri e oggetti animali naturalizzati, mostrano un rifiuto permanente delle convenzioni così come un rapporto ambiguo con la morte e i processi di conservazione.
Daniel Spoerri è interessato allo spreco in una società che si rivolge a oggetti nuovi e usa e getta. Va a caccia di oggetti prima di dare loro una seconda vita nei suoi assemblaggi. Sono già stati usati e quindi mostrano le tracce e le vestigia della loro vita precedente. La maggior parte di essi sono segnati dal tempo, danneggiati e rattoppati. Il punto comune tra tutti gli elementi che assembla è il loro significato storico, narrativo e sentimentale.
Le chien, 1982
Cane naturalizzato, tavolo e oggetto di metallo 130 x 80 cm Acquisto 1983
